En Gala Games nos apasiona crear una plataforma y una comunidad donde los grandes juegos puedan crecer y prosperar. Hablamos mucho sobre cuán revolucionario es el empoderamiento y la propiedad personal que la tecnología blockchain ofrece a la cultura del juego, pero la cultura del juego en sí es mucho más grande que solo los jugadores.
Durante las próximas semanas, vamos a echar un vistazo más de cerca a una industria y cultura que se cruza con los juegos de una manera increíblemente clave y única: la música. En casi todos los videojuegos que se han creado, la música funciona como un ingrediente clave para crear una gran experiencia de juego. Las conexiones de la música con los juegos son profundas y es una parte absolutamente esencial de la experiencia de juego moderna.
El alma de la cultura del juego
El juego es una verdadera plataforma para la expresión artística multimedia. Los artesanos de la era digital tejen obras maestras multifacéticas que enfocan el trabajo de cientos o incluso miles de artistas brillantes en una experiencia cohesiva y atractiva.
El diseño de juegos es una forma de arte antigua, pero a medida que crece la tecnología, las teorías matemáticas confiables y relativamente simples que hacen que la mecánica del juego sea convincente se pueden utilizar en un número infinito de formas a medida que la cultura y la caja de herramientas artísticas de los juegos crecen cada vez más.
Este alto nivel de colaboración multimedia reinventa continuamente la forma en que se juegan y disfrutan los juegos.
Es fácil concentrarse en la evolución del diseño visual y los aspectos narrativos a lo largo de la historia relativamente corta de los juegos modernos, pero detrás de cada gran título hay una banda sonora que te lleva a ese mundo.
Si bien los activos visuales y la codificación magistral de cualquier juego pueden permitirte decir realmente lo que está sucediendo y experimentarlo, la música siempre ha sido un componente necesario para que puedas sentir el juego.
Una colaboración temprana y una relación duradera
La historia de la música es obviamente más antigua que la cultura moderna de los videojuegos, pero la interacción de la música con los videojuegos va mucho más allá de lo que la mayoría de la gente considera la génesis misma de los videojuegos.
En 1951, el matemático Chris Strachey visitó la Universidad de Manchester y pudo pasar algún tiempo trabajando con Ferranti Mark 1, la primera computadora multipropósito disponible comercialmente en el mundo.
En su tiempo con esta tecnología de punta, Strachey escribió un programa simple que jugaba a las damas y celebraba la victoria con una interpretación de «God Save the King».
Esta fue una de las primeras veces en la historia en que una computadora realmente había reproducido música, y ya había comenzado a formarse una fuerte relación entre la música y los juegos.
En 1972, Pong cautivó al mundo como el primer videojuego comercialmente exitoso. Si bien su lanzamiento de arcade y la versión doméstica posterior nunca tuvieron pistas musicales adjuntas, los sonidos icónicos del juego fueron pioneros y comenzaron a insinuar cuán importante sería el audio en la evolución de los videojuegos.
A medida que la tecnología de juegos avanzaba en esos primeros días, la NES marcaría el ritmo de cómo podría ser la música instrumental en la creación de grandes títulos de 8 bits.
Incluso con solo la tecnología MIDI simple para trabajar, los primeros pioneros de los juegos de consola pudieron alcanzar nuevas profundidades de narración y experiencia inmersivas a través de partituras brillantes.
Durante este tiempo es cuando vemos que los artistas musicales comienzan a colaborar con sus homólogos tecnológicos para dar vida a la visualización completa de los juegos como una forma de arte multimedia.
La legendaria partitura de 5 pistas de Koji Kondo para The Legend of Zelda , por ejemplo, sigue siendo icónica dentro de la cultura. Incluso 36 años después, sus composiciones y temas se reutilizan y varían para invocar el sentido de aventura por el que la franquicia siempre ha sido conocida, y sus melodías son reconocidas en todo el mundo.
Estos primeros años fundacionales de la cultura del juego encontraron muchas formas en que las composiciones musicales podían mejorar la experiencia del juego. Juegos como Final Fantasy utilizaron partituras ambiciosas y temas elevados para crear una atmósfera y hacer que el mundo del juego se sintiera profundo y real.
Otros títulos como Tetris agregaron pistas musicales originales para su lanzamiento de NES y demostraron que la música puede ayudar a crear una experiencia más profunda al agregar opciones de jugador y generar tensión en situaciones de alta presión.
La revolución de los juegos multimedia
La tecnología avanzó rápidamente en los años 90, y las compuertas estaban abiertas para los artistas musicales que habían trabajado bajo restricciones tan rígidas en 8 bits.
La llegada de Soundblaster Pro en 1991 significó que los músicos tenían más herramientas y de repente podían hacer mucho más para dar vida a los juegos.
Las composiciones que tenían que ejecutarse con sonidos y tonos limitados finalmente pudieron ir más allá de los simples pitidos de la computadora y agregar una profundidad a los juegos que antes era inimaginable.
En esta era, los juegos salieron de sus limitaciones tecnológicas para hacer la transición de títulos pequeños con un alcance limitado a una gran variedad de géneros diversos.
Las partituras complejas y dinámicas crearon acentos emocionales envolventes y convincentes para historias legendarias como Earthbound y Final Fantasy VI , al tiempo que llevaron la creación de un estado de ánimo atmosférico a nuevas alturas en juegos como Resident Evil y Castlevania: Symphony of the Night. Algunos diseñadores incluso comenzaron a utilizar nuevas herramientas para centrarse en la creatividad musical dentro de juegos como Mario Paint.
De repente, toda la industria estaba prestando mucha atención a la música dentro de los juegos y cómo ayudaba a desarrollar y crear una experiencia atractiva para el jugador.
Si bien la cultura de la tecnología de juegos ciertamente había estado en el asiento del conductor durante esos primeros días de los videojuegos, la explosión de 16 bits fue cuando la música realmente comenzó a presentarse como una fuerza para dar forma a la cultura dentro de la comunidad de jugadores. La música ya no era una ocurrencia tardía, sino una faceta crítica de toda la experiencia multimedia de los juegos.
Una historia y una evolución compartidas
A medida que la cultura de los juegos continuó desarrollándose en el siglo XXI, una barrera tecnológica tras otra derribó los muros que encerraban a los artistas musicales que trabajaban en los juegos. Los pitidos MIDI dieron paso al sonido grabado digital a gran escala, lo que brindó a los compositores la oportunidad de incorporar creatividad musical sin restricciones en los juegos. Los juegos comenzaron a atraer a respetados compositores para crear partituras originales, que eran piezas inseparables del propio juego.
En los primeros días de los juegos, la música ayudó a completar la cultura de los juegos. Sin embargo, a medida que los videojuegos se convirtieron en obras maestras multimedia más completas, los juegos en realidad comenzaron a enviar ondas a través de la cultura musical. Juegos como Dance Dance Revolution convirtieron a los artistas independientes en nombres familiares al presentarlos en el centro del escenario (DaRude’s Sandstorm todavía está atascado en nuestras cabezas), mientras que las bandas sonoras de series como Tony Hawk’s Pro Skater y Grand Theft Auto ponen de relieve las pistas de un grupo diverso . de nuevos oyentes, haciendo que se disparen en las listas.
Hoy vemos una cultura de la música y los juegos que se entrelazan a la perfección. La música para juegos ya no es una industria separada del gran espíritu musical, pero el talento fluye libremente entre ambos medios. Algunos de los mejores artistas del mundo musical han lanzado pistas específicamente para juegos o han trabajado en la partitura. Estas culturas se han desarrollado juntas durante el último medio siglo y la música seguirá siendo una pieza más vital del rompecabezas que es una experiencia de juego espectacular.
Verdaderas obras maestras multimedia
La cultura del juego no puede verse simplemente como una comunidad bidimensional. El trabajo de tantos artistas brillantes se combina para crear experiencias convincentes que el mundo de los juegos es mucho más grande de lo que la mayoría de nosotros pensamos. La asociación entre la música y los juegos ha transformado y desarrollado ambos mundos a lo largo de los años, y esa evolución continuará desarrollándose en los próximos años.
Sin la música que da vida a los juegos, ¿cómo se mantendrían las memorables experiencias de juego que atesoras? Los juegos son una verdadera forma de arte multimedia y un lugar donde todos los artistas pueden unirse para colaborar y crear experiencias inspiradas que muestren todas las formas de arte.
Si bien puede que no sea tan llamativo como esos gráficos de vanguardia, la música es una parte insustituible de la experiencia de juego. La música le da vida a un juego, creando la experiencia de juego memorable que proviene de una auténtica inmersión multimedia.
Nuestro patrimonio multimedia compartido
Al igual que los juegos, con demasiada frecuencia el poder en la industria de la música ha estado fuera de las manos de aquellos que realmente sienten pasión por el arte. Como culturas que trabajan juntas y se cruzan a la perfección, nosotros, como jugadores, no podemos simplemente ignorar las conocidas injusticias a las que el mundo de la música somete tanto a los artistas como a los fanáticos. Estamos todos juntos en esto, y empoderar a los artistas y jugadores debe incluir una forma de empoderar a los músicos y amantes de la música que son una parte vital de los juegos en sí.
En el resto de esta serie, profundizaremos en cómo la industria de la música interactúa con los juegos y cómo puede ser el futuro de la industria de la música en un mundo de empoderamiento de blockchain. Para nuestra próxima edición, hablaremos con el legendario compositor BT, quien ha sido una fuerza destacada en el mundo de las partituras de videojuegos, sobre sus pensamientos sobre el futuro de la música y nuestra cultura artística compartida .
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